«Ecléctico», es como Gwen Van Den Eijnde, la jefa de diseño de ropa de RISD, categorizó a grandes rasgos las colecciones de los 12 estudiantes de la promoción del 2026 y, de hecho, fue eso. Por muy individual que fuera el trabajo de los estudiantes, lo que todos los talentos tenían en común era la pasión por los materiales, ya fueran alfombras de yoga, nidos de avispas, sacos de azúcar o incluso muslina humilde. Mediante la artesanía y con «cosas» inusuales, los estudiantes pudieron utilizarlas para abordar temas tanto personales como profundos, a menudo de formas maravillosas. Otra ventaja de «que los estudiantes se comprometan realmente con la mano y los procesos manuales, cambiando realmente los textiles», reveló Van Den Eijnde, es que actúa como una especie de «resistencia contra la inteligencia artificial».
Tome el trabajo de Azaria Van Der Stok-Smallwood y Paige Sias, ambas 2026 Virgil Abloh «Post-Modern» Scholars, que se centró en sus experiencias como mujeres negras. Reaccionando a la traición que puede existir en silencio, Van Der Stock-Smallwood creó siluetas dramáticas y expresivas que incorporaban caparazones de ostras y cañas coleccionadas a mano. Utilizó miles de tiras de tejido similares a la rafia para crear prendas de volúmenes regalos y movimiento ondulante que demostraron la afirmación de que sus diseños, que están conectados con la historia, «tienen vida propia». O, como ella escribió: «El traje se convierte en mi puesto de liberación y resistencia».
La colección de Paige Sias surgió de la historia de su propia familia en cuanto a «el trabajo de la caña (de azúcar)» y en la que «el trabajo se convierte en un camino hacia la libertad». Sias aplicó la artesanía probada e intensiva en el tiempo a materiales humildes, como añadir detalles de corsé al denim (tradicionalmente un tejido de ropa de trabajo) y cortar un saco de azúcar de algodón en un abrigo. Además, Sias transformó las bolsas de café de arpillera en un minivestido y creó un vestido calado blanco brillante a partir de los trozos de vestidos de novia desechados, que podría leerse como un testimonio físico de su compromiso de utilizar «el diseño como forma de activismo».
«Siento la responsabilidad de utilizar mi trabajo para crear espacio para los demás», escribió Nerukessa Burgess, una transjamaicana-estadounidense, que estaba claramente pensando más allá de sí mismas cuando creó su colección de tesis. Burgess hizo referencia a los uniformes olímpicos del país insular ya los colores y movimiento de su bandera, creando intriga mediante recortes y tratamientos espectaculares en los hombros. El resultado, según sus propias palabras, fue «una fusión de la cultura del arrastre y playa».
Tiene todo el sentido de que la diseñadora Zoe Goldemberg se internara con los incansables iconoclastas de Nueva York ThreeASFOUR, dadas sus adyencias filosóficas, si no estéticas. El trabajo de Goldemberg exploró un territorio inexplorado con una colección experimental que investigaba su función a través de la materialidad haciendo uso de la ciencia y la tecnología digital. Una pieza de punto, por ejemplo, estaba vetada con tubo hidráulico, a través del cual podía fluir agua de color violeta para crear «un sistema circulatorio que enfría y regula». El diseñador también construyó un edificio ondulante (que el jefe del departamento comparó con una cúpula de Buckminster Fuller) a partir de tiras de alfombras de yoga atadas con globos sin inflar. Muchas de las piezas de Goldenmber sugerían exoesqueletos.
Para la clase de 2026, el caos es un hecho; es cómo deciden abordarlo lo que es interesante. El cordón de corsé ajustable fue un enfoque para la contención del cuerpo que apareció en casi todas las colecciones, incluida la de Liam St.Clair-Rounds. Al crecer en un pequeño pueblo de montaña, el diseñador se fascinó por la oscura inmensidad del cielo nocturno. Su misteriosa expansividad parece haber informado su creencia de que «como nada es realmente insondable, todo es imaginable». Soñó prendas de vestir para seres de más allá con materiales terrenales como la cinta y el papel de cobre. Había algo un poco lunar en la textura superficial de un traje de punto calado encaramado con hilos colgantes de perlas y cuentas de abalón.
Más oscuro de humor fue el trabajo de Micaela Giulianelli, quien envió modelos con gasa a la cara. Su tesis fue una negociación entre la feminidad y la necesidad de protección en relación con el cuerpo de la mujer. Pulsando con calor las bolsas de basura sobre gasa, el diseñador creó un paisaje orgánico y esquelético en la superficie de un traje; las costuras y la tela pintada y estampada recordaban venas y sangre. Al escribir sobre sus diseños, Giulianelli dijo: «La belleza y la amenaza son inseparables».
Más juguetonas fueron las colecciones de Maya Mary Muravlev y Ji Hu Park. Muravlev jugó con el ideal de moda tan pretendida del glamour deshecho a través del concepto de esquivar una bolsa para encontrar un mechero escondido o clavos esquivas. Manifestó este pensamiento incorporando un embrague en el cuerpo de su aspecto de apertura y tratando algunos tejidos. Las tapas de café de plástico estaban incrustadas en algodón, y los estampados de trompe el oeil (de una mancha de vino, uñas astilladas, etc.) enfatizaban su abrazo al perfecto imperfecto en una premisa que describió como «una rumia sobre las huellas dejadas por la vida». Park, que tituló su colección Made by en Magpie y que se describe en Instagram como una «ilustradora convertida en costurera», mostró aspectos que celebraban sin vergüenza el rosa y el verde, las princesas (y un príncipe) y la belleza. Piense en faldas de burbujas, un corpiño en forma de corazón con pinos y una falda acolchada parecida a pétalos. La idea de Park es que «Todo debería ser más bonito. Todo debería ser más brillante».
La renovación de la casa de sus abuelos en el país de Georgia fue el punto de partida de la colección completa de Mariam Devadze. El diseñador, que juega con la ropa como objeto, así como su relación con el cuerpo, hizo referencia al mundo de los interiores. Elaboró un punto para parecer una alfombra enrollada y pantalones de papel pintado estampados que parecían estar pelando del cuerpo. Una visión menos directa del tema fue la atención que la diseñadora prestó a la construcción meticulosa de sus prendas. Su apertura, aspecto de tweedy, presentaba una chaqueta «construida» boca abajo y adornada con hembras y caracoles. «Siento que la estructura es muy poderosa, y estoy intentando encontrar poesía en esto», escribió. «Intentar dejar espacio para la curiosidad en algo que parece una conclusión». Mucha gente se ha rehecho con la gabardina hacia atrás de Miguel Adrover; Decadce aumentó el juego, aunque ésta no era su intención original. Incorporó una bolsa de ropa a un abrigo y luego se encontró con una camisa de cuadros, que colgó de modo que se viera a través delantero claro; sólo una vez terminada la pieza se decidió la orientación de espaldas delante.
Van Den Eijnde, jefe de diseño de ropa, describió una serie de colecciones como una calidad romántica, y en el trabajo de Cali Kircher, Ellia Baldwin y Day Koo, se observó una historia de amor tanto con la historia como con la artesanía. Merece la pena destacar la influencia de Nueva York activa en Providence: tanto Kircher como Baldwin estudiaron con Zoe Whalen cuando enseñó en RISD.
La colección de Ellia Baldwin, titulada Women in Trees, consideraba el cuerpo en relación al mundo natural indomable. «El caos sirve para igualar y asear, ya que los elementos existen en constante flujo», escribió Baldwin. «Abrazar el caos es naturalmente igualar. Este es el ritmo con el que me sintonizo». La diseñadora puso nidos de avispas que había recogido localmente debajo de tul en una chaqueta que se construyó a partir de un yeso extraído de un modelo en vivo. Otra prenda se envejeció mediante una técnica de fumar. Las ramas que formaban un cuello de nido espectacular también inspiraron un baldwin jacquard leñoso creado en colaboración con un compañero de estudios de diseño textil.
Kircher organizó su tesis en torno al ritual de una cena, convirtiendo sus detritus imaginarios (cáscaras de huevo, papel encerado) en accesorios encantadores y utilizando materiales orgánicos que, como los alimentos, provienen de la tierra. La adhesión de Kircher a la historia y sus rastros se refleja en la construcción expuesta (un excelente ejemplo de la que es un blazer de lana con patadas rojas y bolsillos interiores con detalles de smock), que conecta con su deseo de proteger la maravilla de la infancia, o una visión infantil, mientras escribe, aborda «la tensión de la tensión de la cría. Esta calidad estaba presente en un pequeño gorro que formaba un bullicio en la espalda de otro topper, y corona el cuello del aspecto final, cosido a mano y teñido de té. ¿Quién sabía que un mantel podía inspirar esta poesía?
Day Koo utilizó su trabajo para explorar su relación con su amada abuela. Las fotografías antiguas se incorporaron a las impresiones, pero lo que es más significativo, la forma en que envejecieron y colorearon inspiró al diseñador a explorar nuevos métodos de teñir y tratar tejidos que capturarían el aspecto y la sensación de esas reliquias del pasado. Koo, que escribe que sus siluetas «encarnan la suavidad de mi emoción», favorece las formas sencillas que no distraen los detalles, que siente que «añaden intención y narrativa». La muselina y la organza estampada se unen como la niebla en forma de traje de cambio, por ejemplo. El abrigo de marfil en forma de T está construido con tiras interminables de lino de tejido abierto; tardó 90 horas en elaborar. El futuro de Koo incluirá mayores exploraciones del pasado; vuelve a casa en Corea para aprender el arte antiguo de gam-yeomsack, caqui muriendo.
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